Pavillon Populaire

L’exposition est prolongée jusqu’au dimanche 30 août 2020.

Horaires : du mardi au dimanche : 11h-13h et 14h00-19h.

Le port du masque est obligatoire dans le bâtiment. 

Du 5 février au 19 avril, le Pavillon Populaire vous invite à la redécouverte d’un des plus grands photographes français du milieu du XXe siècle. Jean-Philippe Charbonnier fut certainement l’artiste le moins connu et représenté de l’École humaniste de Paris, courant photographique auquel ont participé Robert Doisneau, Willy Ronis, Sabine Weiss et Édouard Boubat.
Photographe tout terrain aussi à l’aise chez les mineurs du Nord de la France que dans les coulisses des défi lés de Christian Dior, globe-trotteur insatiable, Jean-Philippe Charbonnier se rendit dans les endroits les plus isolés comme dans les plus grandes villes du monde, de l’Alaska à l’île de Sein, de New-York à Kyoto, du désert du Sahara aux supermarchés américains. Partout, son regard rencontre celui des gens qu’il photographie et ce, même au milieu d’une foule.

Pour la première fois les grands reportages et photographies couleur de l'artiste seront présentés au public
L'exposition s'articulera autour de quelques grands reportages réalisés en exclusivité pour la revue Réalités. Parmi eux, certains des plus fameux comme celui sur les hôpitaux psychiatriques seront exposés pour la première fois dans leur totalité.
D'autres seront présentés : une sélection de photographies couleur qui, jusqu'ici ont été éliminées des expositions car considérées comme indignes d'être exposées.
Parallèlement cette rétrospective permettra de découvrir des planches contacts qui révèlent les choix, les recadrages mais aussi les légendes détaillées choisies par l'auteur, tout comme son analyse fine parfois teintée d'humour.

Du 27 juin au 22 septembre 2019

Lynne Cohen. Double aveugle 1970 – 2012 parcourt, pour la première fois en France, l’ensemble de l’oeuvre de Lynne Cohen (1944 – 2014), artiste canadienne, représentante majeure de la photographie contemporaine.

« En double aveugle » : tel est le nom, en recherche médicale, de la méthode expérimentale où le chercheur et le sujet testé ignorent si celui-ci reçoit le principe actif ou un placebo. Destiné à écarter tout biais de perception, ce procédé étonnant est nécessaire à tout protocole clinique. Par ce jeu d’équations à termes inconnus seulement, le chercheur peut espérer approcher la vérité la plus exacte des faits.

Cette démarche scientifique paradoxale, où sujet et observateur ne maîtrisent pas ce qui est en train d’avoir lieu, Lynne Cohen s’en est emparée pour l’appliquer à l’enquête photographique, afin de rendre compte, avec une constance remarquable au cours de ses quarante ans de carrière, des décors au milieu desquels vit l’espèce humaine dans le monde occidental contemporain.

Méticuleusement, avec l’optique comme procédé empirique et l’épreuve argentique comme document de recherche, Lynne Cohen fixe l’image d’espaces construits par l’homme mais désertés de toute présence, vacants mais impénétrables, destinés à un usage manifestement précis mais énigmatiques.
Ces vues d’un monde étrange, familier et mystérieux, net dans la forme et flou dans le fond, tout en faux-semblants et mises en abyme, interrogent plus qu’elles ne révèlent la nature des espaces qui nous entourent. Produites à la chambre photographique, par un procédé de double inversion d’image, elles tendent un miroir : quels sont ces lieux où nous vivons, mais dont le sens nous échappe ? Que signifie leur mise en scène ?

Face à ces photographies, démunis de tout indice permettant de les interpréter, nous restons ignorants de ce qui se joue devant nous comme dans un essai « à double insu ». Surgit alors une question vertigineuse : dans cette enquête artistique, et dans le monde que la photographe nous présente, sommes-nous sujet ou objet ?

Par son examen photographique des décors contemporains, Lynne Cohen propose une réflexion sur le statut de l’image doublée d’une critique de la place de l’individu dans la société d’aujourd’hui. À l’heure des « fake news » et des écrans tout puissants, son travail trouve une pertinence profonde, et démontre avec force le pouvoir de l’art photographique de témoigner de son époque.

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Du 6 février au 14 avril 2019

Premier volet de la saison 2019, l'exposition "Andy Summers. Une certaine étrangeté, Photographies 1979-2018" est placée sous le commissariat conjoint de Gilles Mora et d'Andy Summers.
Comptant près de 400 clichés, elle se compose d'oeuvres photographiques personnelles, en majorité inédites, et d'images de la série "Let's Get Weird!" (Osons l'insolite!), prises lors des tournées avec "The Police". Tout au long de ce parcours, Andy Summers révèle une oeuvre dense, véritable journal intime en images.

Une performance musicale inédite : des places à gagner

À l'occasion de sa venue à Montpellier, le photographe et guitariste offre une performance musicale inédite, jeudi 7 février à 20 heures au Corum. Véritable improvisation musicale faite, en direct, à partir de la projection des photographies de l'exposition, cette performance musicale exceptionnelle viendra compléter l'exposition du Pavillon Populaire.

Pour gagner 2 places et assister à ce show, un jeu-concours sera mis en ligne sur cette page dès le lundi 28 janvier.

UNE EXPOSITION INEDITE, LA PREMIERE RETROSPECTIVE MONDIALE DE L'ARTISTE

Avec l'exposition « Andy Summers. Une certaine étrangeté, photographies 1979-2018 », réalisée en collaboration étroite avec l'artiste, le Pavillon Populaire de Montpellier propose pour la première fois au monde une rétrospective dédiée au musicien-photographe.
Autodidacte, Andy Summers propose une oeuvre photographique dense, issue de ses explorations diurnes et nocturnes dans les grandes capitales au fur et à mesure de ses pérégrinations musicales, et de ses souvenirs de coulisses du groupe « The Police ».

UNE EXPOSITION QUI VIENT TRADUIRE VISUELLEMENT LE RAPPORT DE L'ARTISTE A LA MUSIQUE, A SA NOTORIETE, A LA GUITARE ET AU CORPS

C'est en 1979 qu'Andy Summers découvre la photographie. L'artiste décrit lui-même ce moment : « Assis dans une chambre d'hôtel à New York, en septembre 1979, je regardais la télé tout en grattant ma vieille Telecaster cabossée, quand je me suis dit qu'il fallait que je m'achète un vrai appareil photo. Notre groupe – The Police – commençait à avoir un certain succès aux États-Unis. Soudain, nous nous retrouvions avec des dollars plein les poches et nous accaparions l'attention médiatique : nous étions le nouveau groupe à la mode. On le sentait dans cette ville, où nos noms retentissaient déjà dans la rue. C'était marrant, mais être assis dans une chambre d'hôtel à contempler les murs, c'était ennuyeux, et nous avions besoin de nous occuper. »
Au fil de l'exposition, on découvre comment la technique de l'artiste s'affine, ses clichés se faisant moins pressants au fur et à mesure qu'il acquiert de la précision, rationalise, et met à distance sa notoriété comme membre du groupe. Son engouement pour la photographie fait évoluer son rapport à la musique.
Ses clichés sont pour lui, en effet, une véritable traduction visuelle de sa musique : « Durant mes débuts, je cherchais un équivalent photographique à la création musicale, car c'était tout ce que je connaissais. C'était ce à quoi je me référais et, comme il a été dit, 'tout art aspire à la condition de la musique'. Comment fait-on de la musique avec un appareil photo ? Comment fait-on entrer de la musicalité dans une image ? C'est une question intéressante. Que mes clichés ressemblent à ceux des grands photographes ou qu'ils soient pris à la va-vite dans la rue, ce qui est sûr, c'est que ma pratique était guidée par toutes ces années durant lesquelles j'essayais de faire de la 'musique' ».
Face à ce constat, il choisit de s'inspirer de photographes de renom tels qu'Henri Cartier-Bresson, Brassaï, Ralph Gibson pour travailler l'équilibre, les angles, la qualité graphique et la profondeur du champ.

UN TEMPS D'ECHANGE DEDIE ENTRE L'ARTISTE ET LE GRAND PUBLIC AUTOUR D'UNE SEANCE DE DEDICACES

A l'occasion de sa venue à Montpellier, Andy Summers ira à la rencontre du grand public et de ses fans via une séance de dédicaces du catalogue de l'exposition, mercredi 6 février 2019, de 10h à 12h, à la Maison des Relations Internationales.

Un dictateur en images. Photographies de Heinrich Hoffmann, et Regards sur les ghettos. Photographies de propagande allemande et des photographes juifs des ghettos d’Europe orientale (octobre 1939-août 1944)

27 juin - 23 septembre 2018

Le Pavillon présente un ambitieux projet cet été : Un dictateur en images. Photographies de Heinrich Hoffmann, et Regards sur les ghettos. Photographies de propagande allemande et des photographes juifs des ghettos d’Europe orientale (octobre 1939-août 1944). Placée sous le commissariat d’Alain Sayag et la direction artistique de Gilles Mora, avec la participation du Mémorial de la Shoah, cette exposition a un double objectif.

Le premier volet consacré aux photographies d’Heinrich Hoffmann, photographe officiel d’Adolf Hitler, déconstruit le dispositif de propagande par l’image mis en oeuvre par l’administration nazie en Allemagne entre 1933 et 1945. Démontrant comment la figure d’Hitler a pu être mise en scène pour s’imposer à tout un peuple, il rappelle que les photographies du dictateur, montrées comme documents d’archive dans les livres d’histoire, ont été conçues et doivent être appréhendées comme des outils de propagande.

Le second volet, proposé par le Mémorial de la Shoah, présente plusieurs séries de photographies des ghettos de Pologne. Prises par des inconnus – soldats, fonctionnaires ou captifs des ghettos – ces images sans « filtre » dressent un constat glacial de la réalité, illustrant de manière quasi-clinique un des résultats les plus sordides de la propagande dont l’exposition a, dans un premier lieu, démontré les ressorts.